Paul Cézanne est un peintre français. Il est l’un des plus grands postimpressionnistes, dont les œuvres et les idées ont eu une influence sur le développement esthétique de nombreux peintres et mouvements artistiques du XXe siècle, notamment le cubisme. L’art de Cézanne, incompris et discrédité par le public pendant la majeure partie de sa vie, s’est développé à partir de l’impressionnisme et a finalement remis en question toutes les valeurs conventionnelles de la peinture au XIXe siècle. Vous vous concentrerez sur la technique utilisée par Paul Cézanne pour créer l’une de ses œuvres les plus célèbres : Les Joueurs de cartes.
Les Joueurs de cartes, de l’artiste postimpressionniste Paul Cézanne, est une série de cinq tableaux représentant des ouvriers provençaux jouant studieusement aux cartes. Ils ont été peints à l’huile entre le début et le milieu des années 1890. Elles varient dans le nombre de modèles et de couleurs utilisés et les dernières peintures sont simplifiées en se concentrant sur l’essentiel. Beaucoup considèrent cette série comme l’une des œuvres les plus importantes de Cézanne au cours de cette période, permettant à l’art d’évoluer vers une plus grande innovation.
Chaque tableau de la série de Cézanne montre deux ou plusieurs paysans provençaux fumant tranquillement leur pipe et jouant aux cartes. Ils ont été principalement inspirés par les travailleurs de la propriété familiale de Cézanne connue sous le nom de Jas de Bouffan, dont beaucoup sont venus s’asseoir pour lui au fil des ans, y compris un vieux jardinier connu sous le nom de « père Alexandre » et un ouvrier agricole nommé Paulin Paulet, qui apparaissent tous deux dans les deux versions du sujet qui jouent aux cartes.
Les historiens de l’art pensent que la série a été achevée entre 1892 et 1896 mais restent indécis quant à l’ordre dans lequel les cinq versions ont été peintes. Cependant, des recherches récentes, notamment des tests aux rayons X, indiquent qu’il les a peintes par ordre de taille, de la petite à la grande. Si tel est le cas, il est probable qu’elles aient été exécutées dans l’ordre suivant : Les joueurs de cartes au Musée d’Orsay à Paris. Cette version, la plus connue et la plus souvent reproduite, est la plus petite de la série, et a été décrite, de manière quelque peu controversée, comme la plus monumentale et la plus raffinée des cinq. Ensuite, il y a celle de la Courtauld Gallery de Londres. Vient après cela la version du Metropolitan Museum of Art de New York. Puis il y a la version du tableau de la collection privée de la famille royale du Qatar, qui est réduite à l’essentiel. Et pour finir, la version, la plus grande et la plus fréquentée, à cinq chiffres, qui se trouve à la Fondation Barnes en Pennsylvanie.
L’histoire occupe une place particulière dans l’évolution humaine. Apprendre le passé de certaines personnes peut en effet servir d’inspiration pour avancer dans la vie. Dans cet ordre, Léonard de Vinci est actuellement l’un des personnages historiques les plus appréciés au monde. Il est surtout connu pour ses célèbres tableaux tels que la Joconde, la Cène et le Salvador de Mundi. Célèbre artiste, Léonard de Vinci est également catégorisé comme un véritable génie. Si vous souhaitez découvrir tous les domaines d’expertise de Léonard de Vinci, ce guide vous fournira toutes les informations dont vous avez besoin.
Léonard de Vinci ou Leonardo da Vinci est né en 1452 et est mort en 1519. Il est l’un des personnages les plus importants de l’histoire. Outre la peinture, ce dernier s’est en effet illustré dans divers domaines. Parmi les plus célèbres, Léonard de Vinci est connu pour être un grand dessinateur. Son désir de comprendre le fonctionnement de tout ce qui l’entourait l’a poussé à perfectionner ses talents de dessinateur. Ainsi, il fut un véritable pionnier dans le monde de la médecine. Grâce à un grand nombre de dissections, Léonard de Vinci a pu réaliser des dessins détaillant chaque organe du corps humain sous plusieurs angles différents. Ces dessins sont également disponibles dans le livre « codex Windsor ».
Léonard de Vinci était aussi une personne particulièrement fascinée par le monde de l’aviation. Il consacrait par ailleurs beaucoup de temps à l’observation du vol des oiseaux. Au fil du temps, ce génie a ainsi commencé à concevoir les premières esquisses de machines volantes. C’est notamment à l’issue des études qu’il a pu mener que des croquis d’avion, d’hélicoptère et de deltaplane ont fait surface. Celles-ci ont été mises à profit par les futurs chercheurs pour la conception des machines volantes modernes.
L’ingénierie est également le domaine de prédilection de Léonard de Vinci. Il était par ailleurs apprécié en raison de ses inventions d’armes de guerre telles que la machine à arbalète.
Dans le même ordre, ce génie fait aussi partie des personnes de l’époque ayant réussi à révolutionner le monde de l’hydraulique. Son désir était de mettre en place une cité idéale où la gestion de l’eau serait parfaitement maîtrisée. Vous pouvez actuellement trouver dans la Collection royale de Windsor ces études de remous autour des années 1512 et 1513. Dans le même genre, vous pouvez aussi découvrir les études qu’il a réalisées sur les machines hydrauliques.
À travers les années et les siècles, de nombreuses et incroyables œuvres d’art ont vu le jour. Mais il faut noter que seule une poignée d’entre elles sont restées intemporelles jusqu’à présent et la plupart sont des créations issues des beaux-arts de la Renaissance. La popularisation de la Vague d’Hokusai, par exemple, montre à quel point certaines œuvres peuvent traverser les époques. Découvrez ces 10 œuvres d’art emblématiques qui marquent l’histoire, aujourd’hui encore.
Mona Lisa est sans nul doute la peinture des grands peintres la plus connue dans le monde entier. Exposé dans le Louvre à Paris, ce chef-d’œuvre de Léonard de Vinci, aussi appelée La Joconde, a une réputation grandissante de jour en jour.
Également réalisée par le même artiste à Milan, entre 1495 et 1498, La Cène dépeint le dernier repas entre les douze apôtres et Jésus-Christ. Ce tableau est aujourd’hui encore accroché dans l’église de Santa Maria, où il a été peint.
Entre 1508 et 1512, Michel-Ange réalise la Création d’Adam au centre du plafond de la chapelle Sixtine. En plus d’être l’une des fresques les plus connues, elle est également l’une des plus reproduites.
L’École d’Athènes de Raphaël, peintre de la Renaissance italienne, figure aussi parmi les œuvres d’art les plus célèbres. Autrefois exposée auprès du Grand crucifix, la Madone Sixtine, réalisée par le même artiste, se compte également comme l’une des toiles les plus connues au monde.
Parmi l’une des fresques considérées comme techniques, la Ronde de nuit par Rembrandt est sans nul doute la plus célèbre.
Entre 1840 et 1926, Claude Monet va peindre une série de tableaux appelée Nénuphars. Figurant parmi les œuvres les plus frappants de la première partie du XXe siècle, cette collection est actuellement répartie entre les galeries les plus renommées du monde.
À travers sa toile Guernica, Pablo Picasso a su traverser les années d’ailleurs, elle est aujourd’hui considérée comme l’un des chefs-d’œuvre les plus épiques. Peinte en 1937, elle est désormais exposée au musée de Reina Sofia (Madrid).
Réalisée en 1909, par un peintre du nom d’Henri Matisse pour un industriel russe, La Danse est une fresque disponible en deux versions. La plus connue est exposée dans l’Ermitage à Saint-Pétersbourg alors que la seconde se trouve au musée d’art moderne de New York.
En 1904, Paul Cézanne peint l’une des fresques qui vont connaître un succès grandissant. Il s’agit de la toile Mont Sainte-Victoire. D’ailleurs, une route que l’on traverse en explorant la montagne de Sainte-Victoire (en Provence) va même hériter de son nom.
Les œuvres de Damien Hirst ont connu un succès fulgurant notamment avec le thème central de la mort. Cet artiste britannique a entrepris sa carrière en se focalisant sur la mort. Il impressionne de nombreuses personnes avec ses œuvres. Découvrez pourquoi il s’est penché sur le thème de la mort.
Damien Hirst est un créateur d’œuvre d’art originaire d’Angleterre. L’artiste britannique s’est fait connaître à partir des années 1990 en tant que membre du Young British Artists. Cinq ans plus tard, il a obtenu le prix Turner. Cet artiste enchaîne plusieurs activités, dont l’illustration, la peinture, la sculpture, l’art conceptuel et l’art de l’installation. Actuellement, il est surtout connu de par son genre artistique lié essentiellement au thème de la mort. Sa signature est focalisée sur l’assemblage et la vanité. L’artiste essaie de présenter l’art entre la vie et la mort. Charles Saatchi a contribué à mener la carrière de l’artiste jusqu’en 2003.
L’artiste a réalisé ses études à Londres, durant laquelle il a obtenu un travail dans une morgue. Ainsi, le thème de la mort devient très présent dans ses œuvres et devient son thème central. En 1991, l’artiste britannique a commencé à travailler sur la sculpture de vrais cadavres d’animaux afin de donner une dimension réelle à ses ouvrages. Il infuse les bêtes dans du formol avant de les présenter dans un aquarium. Damien Hirst coupe même les animaux en deux afin de dévoiler et laisser paraître leurs organes. Certaines sculptures sont conservées, dont un requin, un mouton et une vache en putréfaction dans un aquarium. Le plus célèbre encore préservé aujourd’hui, est le requin-tigre contenu dans un aquarium, intitulé : « The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living”.
Damien Hirst est devenu un artiste millionnaire et le plus fortuné du Royaume-Uni. Les œuvres les plus connues de Damien Hirst sont liées au thème de la mort. L’œuvre de l’artiste intitulé « Lullaby Spring » est la plus chère, vendue en 2007 au niveau mondial. Il s’agit essentiellement d’un art composé de pilules de médicament. « For the Love of God » a également connu un succès en 2008 puisqu’il a été vendu pour 74 millions d’euros. La sculpture est un crâne couvert entièrement de diamant dont l’artiste a consacré 14 millions de livres pour l’achever. Découvrez également l’exposition « Treasures from the Wreck of the Unbelievable », le plus visité en 2017. Celui-ci a été organisé pour montrer les reliques de la mère présentées dans une dimension entre la réalité et la fantaisie.
D’après certains experts en art, Jeff Koons est une icône et non une œuvre muséale. En effet, ses œuvres s’affichent sur la couverture de nombreuses revues. Ce plasticien américain soulève trop souvent la controverse à cause de ses œuvres kitsch. Ami des milliardaires, il est l’un des artistes les plus cotés au monde.
L’histoire de Jeff Koons a commencé à faire sensation dès le début des années 1990. Il était en couple avec Cicciolina qui était une ancienne actrice de films X et devenue une femme politique italienne plus tard. Avec elle, il réalisait des œuvres d’art à caractère pornographique sur lesquelles ils se mettent en scène en adoptant des positions parfois explicites. Après être mariés en 1991, ils ont divorcé en 1994.
En 2008, l’exposition de ses œuvres pop avec des connotations sexuelles a eu lieu à Versailles dans les appartements et dans les jardins du Palais. Les défenseurs de l’histoire de France ont pris cela comme une provocation. Une manifestation s’est tenue devant le château. Le prince Charles-Emmanuel (Bourbon-Parme) a demandé à interdire cette exposition. Au final, l’exposition connaît un énorme succès.
En 2016, le projet de sculpture de Jeff Koons consistait à représenter une main tenant des tulipes de différentes couleurs de 10 m de haut pour une trentaine de tonnes. Son intention était de rendre hommage aux victimes des attentats à la ville de Paris en 2015.
Au début, il voulait l’installer face à la Tour Eiffel qui est un endroit très apprécié des touristes. Dû au coût de la réalisation de l’œuvre ainsi que de son intérêt artistique sans oublier la personnalité de l’artiste, plusieurs personnes ont contesté cet emplacement.
Finalement, la sculpture a trouvé sa place près du Petit Palais après quelques mois de tension. Pour un artiste qui est encore en vie, il est un record lorsqu’il a réussi à vendre le Rabbit (lapin gonflable) à 91 millions de dollars à New york.
Plus d’une fois, Jeff Koons a été accusé de plagiat et de prendre inspiration sur les œuvres d’autres artistes. Pour se défendre, il parle de l’art de l’appropriation. En 1992, il a été condamné aux Etats-Unis à cause de sa sculpture String of Puppies recopiant le cliché d’un photographe et parce qu’il a représenté Odie qui figure parmi les personnages de la série Garfield (Wild Boy and Puppy). Et ce n’est pas fini !
Les internautes ukrainiens lui ont accusé de plagier une figurine d’une sculptrice ukrainienne avec une sculpture gonflable à New York. Il a été également condamné pour avoir reproduit le cochon d’une marque de vêtements féminins Naf-Naf et copié le cliché d’un photographe français exposant deux enfants nus.
Artiste et chef de file du néo-pop japonais, Takashi Murakami a déployé une doctrine artistique qui s’intitule « Superflat » dans laquelle il effectue l’identification des liens entre l’héritage culturel et artistique et la culture pop de son pays d’origine. Ses ouvrages, inspirés de l’imagier manga, généralement très graphiques et colorés font la part belle à des personnages et thèmes récurrents tels que ses sculptures hyper-sexualisées, ses monstres malicieux, ses têtes de mort, ses champignons ou encore ses fleurs affichant un large sourire.
L’artiste japonais ne s’en cache pas. Il est un admirateur très fervent du pop art américain qui n’est autre qu’Andy Warhol. A la fois chef d’entreprise et artiste, Murakami a le sens des affaires. Il a su intégrer à son concept artistique à la fois la consommation et le marketing. Sa technique et son art sont généralement qualifiés de commerciaux. Le manager fantaisiste exploite en masse les produits dérivés de ses ouvrages et a noué une collaboration avec des artistes comme Kanye West ainsi que des maisons de luxe comme Louis Vuitton. Faisant partie des aspects les moins sus de son ouvrage, Takashi Murakami soutient aussi, par le biais de sa firme Kaikai Kiki Corporation, les jeunes fantaisistes.
Takashi Murakami est l’artiste japonais le plus coté de la planète. En 2008, son œuvre « My Lonesome Cowboy » a été commercialisée à plus de 15 millions de dollars chez la maison Sotheby’s New York. Avec d’autres fantaisistes de son pays d’origine aussi connus comme Yoshitomo Nara et Aya Takano, Murakami envahit le marché en mettant en vente des ouvrages multiples (édités en de nombreux exemplaires). L’artiste compte, de ce fait, parmi ceux les mieux classés au monde, selon le nombre d’ouvrages vendus.
L’audience aperçoit un autre aspect de l’œuvre de Murakami à travers sa nouvelle série des « Fish Paintings ». Notez-le, Takashi Murakami a été formé à la peinture classique et est docteur de l’Université des Arts de Tokyo. L’artiste, avec sa série « Fish Paintings », s’est inspiré des céramiques de l’ethnie Yuan en Chine. Ici, il a repris les motifs de poissons sur trois tondo (support de format rond) et deux grands tableaux de près de 10 mètres de long. Par le biais de ces nouvelles productions, le fantaisiste japonais se plonge dans ses commémorations d’enfance : ses balades avec son père en bord de rivière tout en contemplant les pêcheurs de carpes.